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Le big band est prêt à déchaîner les pistes de danse du monde entier avec cet album sur Daptone Records. Enregistré dans les célèbres studios Egrem à La Havane, le groupe affiche une cohésion forgée par un cycle intense de concerts et tournées. La conversation musicale qui a commencé dans les studios Areito trois ans plus tôt s'est transformée en un dialogue fluide et intime entre de bons amis - permettant une expression musicale complète et sans peur, une prise de risque en dehors de leurs zones de confort. S'appuyant sur la vision dissonante, presque avantgardiste, du mambo de Perez Prado et mettant en évidence le sous-texte lucumi des rythmes et des styles cubains, le groupe continue d'explorer, de développer et d'élargir la riche palette rythmique et le répertoire de l'île - repoussant les conventions de ce qui est qualifié de mambo - et puisant profondément dans les traditions folkloriques et religieuses rarement entendues dans la musique populaire. 16 Rayos est là pour nous éclairer de ses rayons musicaux, réchauffer nos coeurs et émouvoir irrésistiblement nos corps.

Fleurs Noires est un orchestre composé de dix musiciennes argentines et françaises (4 violons, 1 piano, 1 violoncelle, 1 contrebasse, 3 bandonéons et une chanteuse). Ensemble, elles nous livrent un tango vigoureusement contemporain qui se démarque du tango traditionnel ou électro... Musiciennes confirmées, elles mélangent leurs différences culturelles à l'originalité de leur répertoire. De ce tango se dégage une force sensuelle, toute en nuances, qui est le fruit de la diversité de ses racines. Les compositions originales créées spécialement pour l'orchestre par la pianiste de l'ensemble, Andrea Marsili, prennent l'essence du tango pour la transformer en un langage actuel, avec une touche résolument moderne. Fleurs Noires ravive l'axe historique Paris - Buenos Aires en émancipant la place de la femme dans cette musique faite originellement par des hommes. Ces femmes passionnées bousculent cette tradition. Fleurs Noires nous embarque dans cette odyssée enivrante mêlant classe, élégance, fraîcheur et... culot !

Avec Acoustic, la diva malienne revisite les chansons de son précédent opus, Mogoya, et quelques-uns de ses classiques incontournables (Saa magni, Diaraby nene). Ce disque, enregistré unplugged, restitue une authenticité marquant le profond attachement d'Oumou aux fondements de la musique traditionnelle du Wassoulou, sa région natale. Autour de sa voix incandescente, se sont ainsi rassemblés les choristes Emma Lamadji et Kandy Guira, le guitariste prodige Guimba Kouyaté et le fidèle Brahima "Benogo" Diakité, virtuose du kamele ngoni. La battante, l'insoumise, la révoltée confirme avec générosité et liberté qu'elle est une artiste toujours en devenir, toujours à la pointe du combat pour l'émancipation de la femme, par delà tradition et modernité.

Dans la mythologie ghanéenne, le "santrofi" est un oiseau aux couleurs vives et à la portée symbolique : selon la croyance, le tuer ou le garder chez soi porte malchance, tandis que le libérer préserve du mauvais oeil. C'est aussi un oiseau au chant puissant : le nom était donc tout trouvé pour Santrofi, formation d'Accra dévouée à la préservation et à la diffusion du patrimoine musical ghanéen, et en particulier, le highlife. Les huit membres du collectif ont tous appris auprès des grands noms du genre, nommément, Ebo Taylor, Gyedu-Blay Ambolley ou Pat Thomas. Parallèlement aux nouvelles tendances, plus électroniques et urbaines de la capitale, Santrofi cherchent à maintenir l'essence du highlife, joué intégralement en live et porteur de messages.

La musique des Marx Sisters est pleine et généreuse : tantôt festive et joyeuse, tantôt mélancolique et émouvante. Leur répertoire est puisé directement dans la chanson yiddish et la musique klezmer. Pour ce 2è album, le groupe s'est rassemblé autour d'un morceau éponyme : Arum dem Fayer (autour du feu). On s'y blottit quand règnent l'obscurité et le froid, quand on cherche un peu de clarté et de chaleur humaine, ou tout simplement quand la vie nous a poussés sur les routes et que l'on n'a plus rien. On y partage un peu d'espoir, on y raconte nos histoires, on se raconte soi-même, avec les moyens du bord. Ils s'emparent de la langue yiddish et la célèbrent en interprétant des morceaux traditionnels ou plus récents.

Accompagnée des guitares complices de Dominique Dumont à la guitare classique et de Francis Gero à la guitare portugaise (instrument de prédilection pour ce genre musical), la chanteuse du groupe vocal Evasion interprète ici les airs traditionnels ainsi que ses créations avec une ferveur souvent joyeuse toujours troublante d'émotions.

Le duo Lors Landat/Thomas Moisson se lance dans une démarche intimiste où la générosité de l'expression des deux compères, alliant tradition orale et improvisation modale, trouvera son équilibre dans une formule de concert, célébrant la rencontre d'un pays gaélique, trop souvent méconnu, l'Ile de Man. Pour l'occasion, deux musiciens hors-pair, la harpiste Mera Royle et David Kilgallon (au clavier, violon et chant) se joignent avec enthousiasme à l'aventure. Textes et thèmes musicaux découleront donc de ce discours permanent de soi à l'autre, du solo à la réponse orchestrée, de la Gwerz bretonne au Reel manxois. Neear Nesan pourrait signifier mot-à-mot "du côté du proche-occident", comme une célébration des promontoires, des solidarités portuaires et de rencontres pleines de promesses. Les langues bretonne et mannoise s'accordent, les mélodies de création récentes ou patrimoniales se mélangent afin de montrer que la créativité peut s'enraciner dans des territoires très différents apparemment à condition que la parole soit commune et le discours partagé.

Le deuxième volume de la compilationde Studio One présente 17 titres parmi lesquels des classiques de figures emblématiques du reggae comme Alton Ellis, The Heptones, Jackie Mittoo, The Gladiators, ainsi que certaines raretés et certains titres méconnus ont tous pour point commun d'être d'une qualité exceptionnelle. La vertu de la noirceur est au coeur des croyances Rastafari ; le thème récurrent de cet album est donc, comme son nom l'indique, la fierté noire. La plupart des morceaux viennent de la période transitoire du reggae, entre la fin des années 60 et tout au long des années 70, après l'euphorie du ska.

Cet album est le fruit de la collaboration de trois musiciens de renom : l'antillais Gérald Toto, le camerounais Richard Bona et le congolais Lokua Kanza. Leur premier opus, sorti il y a 13 ans, fut un succès de la musique du monde. Bondeko en est la suite, certes 13 ans après, mais toujours avec la même joie et la même énergie au service de la musique. On se laisse facilement bercer par ces ballades afro-caribéenne où chacun raconte un petit bout de lui-même...

Jean-Baptiste Bonga est né à Croix-des-Missions, La Plaine, Haïti, d'une lignée ancrée dans la tradition vaudou. Dès son enfance, il assiste aux cérémonies dans le péristyle familial, puis il voyage à travers Haïti et se passionne pour les différentes formes de rituels... Ensuite il devient houngan, maître de cérémonie puis initiateur. Sa vie entière est dédiée à la richesse de la culture vaudou. Membre fondateur des groupes haïtiens emblématiques du mouvement racine, Boukman Eksperyans et Foulà, Jean-Baptiste Bonga s'est installé aux tats-Unis dans les années 90, alors que les musiciens américains relayaient la voix du peuple haïtien. Depuis lors Bonga a continué à jouer en solo ou en groupe dans de nombreuses salles à travers le monde. Il fut mis en vedette avec Peter Yarrow, Grace Jones, Dan Zanes et Urban Tap, pour n'en citer que quelques-uns.

Le magazine Italien Buscadero nous propose cette compilation de plus de 30 chansons composées et interprétées par John Prine, Van Morrison, Bob Seger, Bruce Springsteen, Rodney Crowell, P.F. Sloan, Bob Dylan, Willie Nelson, Bruce Cockburn, Blackie Farrell, Townes Van Zandt, Leonard Cohen, Tom Petty, Steve Earle, Neil Young, Daniel Johnston, John Fahey, Randy Newman, Kris Kristofferson et Neal Casal.

Difficile de mettre une appellation certifiée conforme sur les effusions de Pixvae. Afro-latin core ? Post-free trash ? Radical cradi-moderne ? Quand le son résiste aux mots, c'est souvent bon signe. Le cocktail du combo colombolyonnais est du genre décapant, du style enivrant. Voix haut perchées et saxophone hurleur, batterie survoltée et guitare saturée, Pixvae carbure à l'énergie des polyrythmies, cette essence traditionnelle qu'il s'agit de propulser, hors des sillons maintes fois labourés, dans le champ d'une actualité sang pour sang entremêlés. la clef, cette expérience s'inscrit au coeur de notre présent, ici et maintenant. Histoire d'y établir une frontière inédite, ni d'ici, ni de là-bas, juste au-delà, histoire d'y bâtir un répertoire-territoire où toutes les musiques ont droit de s'entrechoquer, de s'interpeller, de se pénétrer pour d'autant mieux se régénérer. Entrez dans la transe !

A 78 ans, Paco Ibánez reste fidèle aux meilleurs paroliers qui soient : les poètes. Son nouveau CD est consacré à la poésie d'Amérique latine. De ses célèbres adaptations du Chilien Pablo Neruda remontant aux années 70, le chanteur espagnol livre de nouvelles versions, où on retrouve avec émotion, quarante ans plus tard, la vibration épurée de la contrebasse de François Rabbath. Les vers de César Vallejo, Alfonsina Storni et Rubén Dario complètent le répertoire, avec en finale un de ses classiques : Soldadito boliviano, sur la mort du Che, écrit par le Cubain Nicolás Guillén. Aussi attentif à la forme qu'au contenu, Ibánez a fait appel au peintre Claude Viallat pour concevoir une belle pochette dépliante.